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La psicología del arte

Sobre la necesidad de diferenciar entre los aspectos estructurales y funcionales de la psicología del arte …

La psicología del arte es un tema complejo y esta descripción sirve sólo como una introducción a un campo de estudio «en desarrollo».

La psicología forma la base de muchos aspectos de la vida y el arte o la expresión del arte en cualquier forma y especialmente a través de la escultura y la pintura también se basa en teorías psicológicas y la comprensión. La relación entre psicología y arte es casi inevitable; no puede haber arte sin psicología y viceversa. El artista parte de un lienzo en blanco sobre el que proyecta su propio ser psicológico y queda el arte como medio de tal proyección. Así, el arte puede definirse mejor como un medio a través del cual un artista o un individuo creativo proyecta sus sentimientos y frustraciones y necesidades psicológicas más profundas. De esta manera, el arte está íntimamente ligado a la psicología. Sin embargo, la psicología del arte como disciplina formal no ha encontrado un amplio reconocimiento y sólo muy recientemente ha ganado popularidad en las universidades occidentales.

Sin embargo, la psicología del arte es un campo de estudio fascinante, ya que analiza el núcleo de la creatividad y proporciona una explicación de los procesos mentales del artista en particular y del individuo creativo en general. Sin embargo, curiosamente, la psicología del arte no se limita solo a comprender los procesos mentales del artista, sino también los procesos mentales involucrados en la percepción del arte. Así, una psicología del arte proporciona una explicación y comprensión de los fenómenos de la creatividad, los procesos mentales del artista, así como los procesos de pensamiento del perceptor. Es integral en su enfoque no solo por su rango de explicación sino también porque la psicología del arte involucra explicaciones de diferentes ramas de la psicología como la psicología de la percepción Gestalt, la psicología de la forma y función / orden y complejidad, el psicoanálisis de Jung, la psicología de la atención. y la psicología experimental y el simbolismo freudiano.

La psicología del arte es interdisciplinar, integrando con éxito el arte, la arquitectura, la filosofía (metafísica y fenomenología), la estética, el estudio de la conciencia, la percepción visual y el psicoanálisis. Desde el filósofo John Dewey hasta el psicoanalista Carl Gustav Jung, los intelectuales del siglo XX influyeron en el surgimiento de una psicología del arte que parecía haberse movido más allá de los procesos mentales del artista para incluir el proceso de creación y también su percepción examinando el arte desde lo biológico, perspectivas sociales, psicológicas y filosóficas. Dewey y Jung influyeron en el estudio del arte en contextos sociales y culturales y son en gran parte responsables de la comprensión del arte en su forma actual.

El arte es, obviamente, un proceso creativo y, por tanto, también es un proceso psicológico profundo. El arte bien podría explicarse con la teoría de la percepción y como un proceso cognitivo. La teoría de la percepción visual de la Gestalt ofrecería una de las principales explicaciones sobre la creación y la percepción del arte. Los teóricos de la Gestalt fueron los psicólogos del siglo XX que estudiaron sistemáticamente los procesos de percepción en humanos y algunos de los famosos Gestaltistas fueron Wolfgang Köhler, Kurt Koffka, Max Wertheimer y Kurt Lewin. Los principios de percepción dados en la psicología de la Gestalt se centraron en la proximidad o contigüidad, similitud, continuidad, cierre, área / simetría y figura y fondo.

Así, los Gestalistas describieron la percepción como un proceso que involucra no solo al objeto, sino también al contexto, ya que la percepción de los objetos se ve afectada por lo que los rodea, de modo que para los Gestalistas las cosas son siempre «más que la suma de sus partes». Como el arte también se trata principalmente de percepción, nuestra percepción de cualquier objeto de arte también dependería de estos principios Gestalt y tendemos a ver continuidad o cierre o incluso a percibir movimiento en objetos estáticos. La psicología de la Gestalt se ha utilizado ampliamente para describir y comprender las «ilusiones visuales». Por ejemplo, se percibirá que los objetos que están situados más cerca unos de otros forman un grupo. Si ha visto algunas de estas imágenes que explican los principios de la Gestalt, comprenderá rápidamente que el arte es más que simples pinceladas; el arte es tanto un proceso de percepción (incluida la ilusión) como un proceso de creación. Si un artista crea con éxito una ilusión visual, es casi como un mago. Sin embargo, el arte tiene varias dimensiones en su estudio y explicación, y desde la comprensión de la Gestalt de la forma y la estructura que proporciona una explicación «estructural» de los principios organizativos del arte, también tenemos que comprender las características «funcionales» del arte. Esto, a su vez, lo proporciona el psicoanálisis y el simbolismo.

A principios del siglo XX, Sigmund Freud fue pionero en el estudio del arte en su forma psicoanalítica al considerar al artista como esencialmente un neurótico que lidia con sus presiones y conflictos psíquicos a través de sus impulsos creativos. Freud estaba interesado en el ‘contenido’ o tema del arte que reflejaba los conflictos internos y los deseos reprimidos del artista y el arte para Freud como para cualquier psicoanalista hoy en día se considera esencialmente una proyección de la mente y el proceso de pensamiento del artista. Freud creía que los deseos y fantasías inconscientes del artista se abren paso desde lo interno y se manifiesta como lo externo en el lienzo a través del arte. Así, si un artista fantasea con hermosas mujeres virtuosas, pinta ángeles en el cielo como una especie de «sublimación» de su deseo más profundo. Por lo tanto, cualquier obra de arte está directamente relacionada con el mundo interior del artista y sus regiones inconscientes de la mente.

Una escuela de arte que fue influenciada directamente por la teoría freudiana y manifiesta directamente el inconsciente es el surrealismo, que comenzó a principios del siglo XX, inicialmente como una rama de un movimiento cultural, el dadaísmo. El surrealismo enfatiza la integración del arte y la vida y con influencias psicoanalíticas se enfoca en los deseos inconscientes. Desde la psicología de Jacques Lacan hasta la filosofía de Hegel, el surrealismo fue moldeado en gran medida por la filosofía, la psicología y los cambios culturales y ha sido uno de los movimientos más revolucionarios de la historia del arte.

Algunos de sus famosos defensores fueron André Breton y, más recientemente, Salvador Dali. De hecho, el trabajo de Dalí podría verse como casi una representación visual del énfasis de Freud en el análisis de los sueños, los deseos inconscientes, así como las alucinaciones y la asociación libre. El simbolismo sexual, una parte importante del análisis freudiano, ha sido ampliamente utilizado por los surrealistas. Freud y el surrealismo destacaron un vínculo más estrecho entre la locura, la sexualidad y el arte, pero este tipo de representación también encontró cierta oposición. Por otro lado, el psicoanálisis de Carl Jung y el énfasis en el arte como una forma de expresión cultural fue más aceptable para algunos artistas y Jung sigue siendo el psicoanalista más influyente en la historia del arte con su interpretación optimista y constructiva del arte. Según Jung, el arte y otras formas de esfuerzo creativo podrían acceder al «inconsciente colectivo» y proporcionar conocimientos considerables no solo sobre el proceso de creatividad, sino también sobre los elementos culturales de la mente que se transmiten de generación en generación. En la psicología junguiana, el arte como proceso psicológico sería una asimilación de las experiencias culturales del artista para que sea accesible a una comunidad más amplia.

Por lo tanto, la psicología del arte, a medida que se desarrolla hacia una disciplina y área de estudio principales, podría considerarse que tiene dos ramas distintas:

o Psicología estructural del arte: la que enfatiza los aspectos ‘estructurales’ de percibir el arte a través de la forma, la organización como se entiende con los principios de la Gestalt y el énfasis general en la estructura, también con los principios de la fisiología y la percepción visual

o Psicología Funcional del Arte – aquello que enfatiza en el arte como un proceso creativo que representa los aspectos ‘funcionales’ o la dinámica mental del artista, el contenido más que la forma y podría entenderse con los conocimientos del psicoanálisis y la fenomenología.

La rama estructural se relaciona principalmente con el perceptor y el proceso de percepción del arte y la rama funcional se relaciona con el artista y el proceso de creación del arte. Ambas dimensiones serían igualmente importantes y se complementarían entre sí en una psicología conceptual integral del arte.

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